Negli ultimi mesi sfogliando riviste di vario genere sono incappata più di una volta nelle pubblicità di una catena di grandi magazzini di luxury in Italia: La Rinascente.
   La mia estrema curiosità e il mio desiderio costante di capire cosa sta dietro ogni tipo di messaggio che la società ci comunica, mi ha condotta verso un desiderio di conoscenza riguardante questo store che ha un secolo di presenza fissa nel panorama urbano delle più importanti città italiane, a cominciare da Milano, la mia città natale.

   La Rinascente ha una storia veramente esemplare ed affascinante, fatta di stravolgimenti socio- economici, e di personaggi illustri capaci di trasformare il pensiero in comunicazione.
  La Rinascente ha vissuto momenti di grande successo, mantenendo alta la notorietà di Marca, ma soprattutto è stata in grado di leggere i segnali del proprio tempo, cambiando rotta al momento giusto,
diventando un punto di di riferimento per lo shopping e le tendenze delle  più importanti città italiane.
Innovazione, eleganza e creatività sono le parole chiave del successo di questa azienda.

  LA STORIA

Tutto a inizio nel 1865 quando i fratelli Bocconi aprirono a Milano il primo negozio di abiti già confezionati, su imitazione del "Le Bon Marché", grande magazzino nato in Francia nel 1852. 
  Quando nel 1917 S. Borletti, grande imprenditore italiano, rilevò l'azienda, la trasformò nella catena di grandi magazzini più elegante d'Italia. 
 Milano era il luogo migliore per cominciare questa trasformazione di pensiero, visto che stava compiendo decisivi passi verso una modernità di massa.
 Borletti riuscì ad affiancare al requisito della convenienza dei prezzi, irrinunciabile per la grande distribuzione, a quello di uno standard qualitativo alto, in cui la qualità dei materiali si combinasse con uno stile riconoscibile e di buon gusto.
   Il nuovo nome "la Rinascente" venne scelto da G. D'Annunzio e la pubblicità venne affidata a M. Dudovich, maestro nel rappresentare il concetto di "lusso democratico".
  Per circa quarant'anni l'immagine del marchio "La Rinascente" venne affidata  a M. Dudovich che grazie alla sua eleganza ed al suo buon gusto divennero un punto di riferimento per la società dell'epoca.

M. Dudovich - La Rinascente - 1931- Manifesto

M. Dudovich - La Rinascente - 1921- Manifesto

M. Dudovich - La Rinascente - 1929 - Manifesto

M. Dudovich - La Rinascente - 1924 - Manifesto

   Con la fine della seconda guerra mondiale con la massiccia ripresa produttiva, La Rinascente crebbe in maniera accentuata grazie a due spinte convergenti: una che favorì la grande distribuzione, facendo dei grandi magazzini una meta privilegiata della nuova corsa verso i consumi; l'altra relativa  all'azienda che portò la conferma del suo primato nel settore.
 Il consumo di massa si apriva verso nuove strade. Lo "standardizzarsi"  dell' immaginario collettivo avvenne grazie ai media, soprattutto all'evento di un nuovo mezzo di comunicazione: la televisione.

  La società dell'epoca associava la città al luogo dei consumi grazie alla presenza dei grandi magazzini.

  La Rinascente si distingueva dagli altri grandi magazzini per la sua specificità ed esclusività che riguardava in primo luogo la sua immagine, dalla pubblicità, agli ambienti di vendita ed al packaging che si utilizzava per imballare le merci.
  Tra gli anni '50 e '60 la direzione creativa della Rinascente venne affidata a M. Huber che insieme L. Lamm diedero un impronta contemporanea al grande magazzino milanese.
   All' epoca M. Huber  era un designer già affermato dal gusto geometrico e razionale a lui venne affidato il compito sia di ridisegnare  il logo che l'immagine  coordinata del grande magazzino.
  Mentre a L. Lamm,  venne dato l'incarico di creare con il suo gusto fresco, iconico e soprattutto raffinato i cataloghi, le locandine, la pubbblicità, ed il packaging.
Una coppia creativa ed innovativa capace di modificare il modo di fare comunicazione con la semplicità e l'eleganza rispettando il gusto di quel momento.
  Nel 1958 M. Huber lasciò la La Rinascente e L. Lamm prese il suo posto come capo del dipartimento
creativo tra il 1958 al 1962.

M. Huber con il marchio La Rinascente da lui progettato.

M. Huber - La Rinascente - 1954  -Poster

M. Huber - La Rinascente - 1955 - Poster

                                     

L. Lamm - La Rinascente - 1958 - Manifesto

     

L. Lamm - La Rinascente - 1962 - Manifesto

L. Lamm - La Rinascente - 1960 - Manifesto

OGGI

  Oggi la società è ulteriormente cambiata, tutto è molto più complesso controllato dalle strategie aziendali importate dagli altri paesi, che si pensa siano infallibili, il dio consumismo annebbia il pensiero della masse incapace di reagire al desiderio costante del possedere.

 Tutto diventa indispensabile per l'accettazione sociale, omologando il senso del gusto e della percezione.

 Con l'evento di internet e dei social network, si è trasformato anche il modo di fare comunicazione, la velocità e l'appartenenza sociale sono diventiti l'emblema di una società incapace di proteggere la propria individualità.
 Mi viene spontaneo pormi una domanda , ma la creatività viene ancora premiata?  Come si può essere creativi oggi, con le aziende che frenano il pensiero individuale con le leggi del marketing?
Citerò un testo che mi ha fatto riflettere sulla formula del successo e sul significato di creatività.

Innovating Innovation: A Formula for Success
by David Macy, Director of Mobile Product Marketing

"If you look at a group of people who are creative for a living, you might see a room full of people goofing off, playing with toys, or staring into space, looking like they’re doing nothing at all. Then, you’ll immediately think, “Wow, I need to get a job like that.”

As the director of marketing, for the Creative Cloud Mobile division, I can promise you that we really are working. That’s what I say to my boss every time he walks past a room full of people staring at the wall. It’s all part of the process. I can’t say that my boss entirely believes me.

In fact, he decided to challenge me. He asked me to create a process for creativity. He wanted me to find a way to make innovation repeatable and predictable. He wanted it all delivered on the back of a unicorn.

Ok, so the unicorn part was made up, but the futility I felt when faced with that task wasn’t. After all, part of creativity is the ability to be spontaneous. How was I supposed to encourage creativity when I was trying to make everyone follow a paint-by-numbers process? Was I really being asked to innovate innovation?

As I sat down to write my letter of resignation, a sudden and ironic burst of spontaneous creativity came to me. While innovation might not be a process, there is a formula to it that anyone can use:

Innovation = f (passion * velocity * creativity * some array of variables) ^ risk



This isn’t Beal’s Conjecture, so you can put away that calculator. If you want to make innovation repeatable, it’s not about specific actions you can take. It’s more of a matter of attitude. It’s what happens when the right product meets the right people at the right time. It’s understanding all of the moving parts that come into play to make that idea a reality.

Passion

Passion is a critical component for any innovation. If the team is not passionate about what they’re doing, they should be doing something else. Inventing is creating something new, but innovation changes the way we all look at a product. Inventing is creating that plastic thing at the end of a shoelace that makes it easier to lace your shoe (that’s an aglet, in case you’re curious). Innovating is turning the simple telephone into an iPhone, which changed the way we looked at communication entirely. Both are achieved through some desire to fill a need, but only passion can lead to true innovation.

Velocity

In math, velocity is the rate of speed at which something happens. Velocity in innovation is what overcomes all of the obstacles that get in the way. Velocity is what enables teams to “fail fast,” learn, and move on. And if you’re moving fast enough, you can share your ideas openly and benefit from customer feedback without being afraid of the competition stealing the idea and bringing a product to market sooner.

 Creativity

Organizations need to foster a creative mindset among their people in order to keep creativity spontaneous. It’s not enough to tell your people to “think outside of the box” and then send them back to their box-shaped cubicles. Creativity is a byproduct of curiosity, imagination, and knowledge. Every single person has the ability to be creative, but when their environment doesn’t foster creativity, they might as well be robots. Robots can do a lot of things. They can solve algorithms, they can build cars, they can even beat Ken Jennings at Jeopardy. What they can’t do is innovate.

Even in an organization where people are expected to adhere to a specific process, there must be some amount of elasticity involved to inspire this creativity and improve on old ideas.

Variables

These variables might be within your control or outside of your control. Whether they’re changes in the market that might affect the need for your idea or internal company restrictions that might make it more difficult to bring an idea to life, all people who wish to change things need to accept the fact that there might be issues outside of their control that will change the end result. The important thing is to focus on what you can control and then identify what can’t be controlled without letting them become distractions.

Risk

Do you know the difference between a gambling addict and a professional gambler? Success. An addict will stick with a game even after they’ve lost everything to it. A pro knows nothing is certain, but if they don’t take the risk, they won’t reap the rewards.

All endeavors have some level of risk involved, and this risk can be especially high when you’re trying to innovate because you’re trying to change an established routine. People generally don’t like that, and shareholders may like it even less, but for companies to innovate, they need to embrace risk and reward risk takers. If the culture is too risk averse, all the company can do is maintain the status quo—the antithesis of innovation!

In this formula, everything is raised to the power of risk because without risk, there is no innovation. Without risk, you’d be reading this article in hieroglyphics on a cave wall. “Takes risks and is willing to fail” probably isn’t something you should write on your résumé, but it is an important part of how the world changes.

While it’s true that innovation can’t be planned, it can be inspired when organizations foster the right attitude in their people from the top down. By encouraging people to be creative, organizations can ensure that true innovation is a repeatable process, though it might not always be a predictable one."

  Vi starete chiedendo perché abbia citato questo testo e che tipo di rapporti potrebbe avere con la storia della La Rinascente...
  Guardando il passato di questa azienda ho potuto ammirare la capacità di creare un tipo di comunicazione al passo con i cambiamenti socio-economici del tempo, una azienda capace di rischiare pur d'innovare, mantenendo sempre forte il legame tra eleganza e creatività.
  Oggi tutto questo mi sembra  affievolito...
Se la creatività e quindi l'innovazione non può essere pianificata, come suggerisce il testo sopra citato, dovrebbero essere le aziende ad incoraggiare i propri creativi a rischiare, perché l' innovazione può essere un processo ripetibile, anche se non prevedibile.
Una soluzione potrebbe essere quella di utilizzare la formula di di D. Macy :

Innovation = f (passion * velocity * creativity * some array of variables) ^ risk.

per riuscirebbe a ricreare la magia di un tempo....

"Non siamo semplicemente un department store, siamo un luogo che racconta storie”.

Alberto Baldan, CEO la Rinascente

La Rinascente- Campagna pubblicitaria- 2014-2015-               

         

Bibliografia

"La Rinascente." - E. Papadia - " L'identità italiana " - 2005.  

"Proprietà e direzione. La Rinascente."- F. Amatori -1989.    
"A formula for Success." - D. Macy - 2015.

The Golden Age of Picture Books: An ABPA Panel

By Matia Burnett PW | Mar 10, 2015

The phrase “The Golden Age of Picture Books” might conjure images of the great green room or an angry boy in a white wolf suit, yet, according to children’s book professionals who gathered for a panel in Manhattan on March 4, the golden age in question is actually happening right now. The speakers were: David Caplan, v-p and creative director, Hachette Book Group; Paula Wiseman, v-p and publisher, Paula Wiseman Books, Simon & Schuster; Mario Russo, children’s book editor, New York Times; and Kirsten Hall, literary and art agent, Catbird Productions. The event was moderated by Nancy Hall, v-p, American Book Producers Association, which sponsored the discussion.

Equipped with slides of their favorite picture books of 2014, the panelists launched into an enriching discussion of why they believe we are in the midst of creative renaissance for picture books. Russo’s first selection was Neil Gaiman and Lorenzo Mattotti’s Hansel & Gretel (Toon Graphics), which she believes “broadened the context” of the fairy tale and “enlarged the way a story can be told.” The book, she said, also speaks to a growing trend in children’s literature: a renewed appreciation for the book as a beautiful physical object.

From a revival of a familiar story to a nonfiction book about a little-known figure, another of Russo’s favorite books of 2014 was The Right Word: Roget and His Thesaurus by Jen Bryant, illustrated by Melissa Sweet (Eerdmans). She was particularly taken with the story because of the way it takes a figure who is “not someone you think of as a hero,” and presents a story about pursuing one’s passions with intrigue and emotion. As a picture book biography, Russo believes that it also represents the trend for nonfiction stories that are geared toward a slightly older audience and may meet the standards of the Common Core.

Next, Russo chose The Storm Whale by Benjie Davies (Holt), a book with artwork that she said contains tremendous “subtleties and emotional resonance.” Russo described the story as inhabiting a space of slightly skewed realism: “there’s a magical aura” to the work, she said. Her last two selections were Last Stop on Market Street (Putnam) by Matt de La Peña, illus. by Christian Robinson, and, honoring her colleague on the panel, Kirsten Hall’s The Jacket, illustrated by Dasha Tolstikova (Enchanted Lion). Her admiration for de La Peña’s picture book stems from the subtle power of its message about overcoming hard times. She sees it as a book that casually reflects the great diversity of our world. On The Jacket, Russo noted its high production values and the story’s “meta-book” aspect, or integration of the book itself as a character.

The ABPA panelists: (from l.) Kirsten Hall, Maria Russo, Paula Wiseman, and Nancy Hall.

Before turning to her own selections from the golden year of 2014, Hall shared that her inspiration for writing The Jacket came from her love of books as a child: “I felt feelings for my books,” she said. Her aim was to help instill in children the recognition that “books are objects to protect and cherish.”

Referencing its “noteworthy and interesting panoramic format,” Hall shared Fox’s Garden by Princesse Camcam, part of Enchanted Lion’s Stories Without Words series. Switching gears, Hall presented I Am Jazz, co-written by Jessica Herthel and Jazz Jennings, illustrated by Shelagh McNicholas (Dial), which is based on Jennings’s childhood struggle with gender identity. It’s a story that widens the scope of diversity in children’s books, Hall said, promoting “tolerance and appreciation” in an accessible format.

Hall called Argentinian author-illustrator Liniers’s What There Is Before There Is Anything There: A Scary Story (Groundwood) a book that represents “another kind of diversity,” in terms of tone and subject matter. It’s a story that dares to “validate nightmares and doesn’t wrap up neatly,” she said. In the end, the child protagonist doesn’t find an easy solution to his night terrors, but rather “must learn to cope with being afraid.” From Big Picture Press, Hall shared the oversize Animalium (Welcome to The Museum) by Jenny Broom and Katie Scott, which features collections of objects as though presented in a gallery and is skewed toward a slightly older range of readers, and Sophie Blackall’s The Baby Tree (Penguin/Paulsen), which she described as “a successful, age-appropriate, and fun” book about reproduction, featuring a boy who is fed up with hearing from adults “hurried, half-truths” about where babies come from. It’s a topic that, admittedly, Hall has struggled with teaching her own sons.

“Have you read it to them?” Nancy Hall interjected, explaining to the audience, that, in the interest of full disclosure, she’s Kirsten’s mother. “And guess who got to tell her sons the facts of life?” she joked.

Wiseman selected several books from the S&S/Wiseman imprint. She describes Raúl Colón’s wordless book, Draw!, as being about the boundary-less potential of art and imagination. Meghan McCarthy’s Earmuffs for Everyone, about the invention of the earmuff, is another nonfiction book that “speaks to the Common Core.” It’s a story that explores the “facets of invention” and how one thread of history can unspool to reveal so much more than first anticipated. Wiseman next shared Henny by Elizabeth Rose Stanton. Starring a chicken character that experiences an identity crisis because she has human arms, Wiseman called it “the ultimate diversity book,” because it features an individual who feels different, but learns to embrace her individuality.

From 2013, Wiseman presented the “non-linear” and “very cinematic” meta-book: Do Not Open This Book! Its sequel, Open This Book! releases in October; Wiseman noted the upcoming title’s black jacket, which is a design aesthetic that wouldn’t have been permitted 10 years ago. The cover speaks to how this is a “time of creativity and experimenting” in the picture book field.

Finally, Wiseman shared Etsy artist Jorey Hurley’s Nest, which uses “Zen-like art to tell the life cycle of a robin.”

Coming from Little, Brown in July, Caplan spoke about debut author-artist Elise Parsley’s If You Ever Want to Bring an Alligator to School, Don’t!, saying that the book offers a gratifying “unified vision” of a “rambunctious female character who knows that bringing an alligator to school isn’t a good idea, but she does it anyway. Caplan’s favorite Little, Brown titles from last year were Peter Brown’s Mr. Tiger Goes Wild, which uses design elements to explore themes of conventionality verses individuality; and Patrick McDonnell’s A Perfectly Messed-up Story, which “breaks down the narrative wall” between reader and character. Wolfie the Bunny by Ame Dyckman and Zachariah OHora offers what Caplan called a “hilarious and adorable” storyline, about a wolf who is adopted by a family of bunnies. Finally, he shared Dan Santat’s Caldecott Medal-winning The Adventures of Beekle: An Unimaginary Friend, which “on the surface is about a cute, marshmallowy character,” yet contains “so many different layers of subtext” that by the end, it amounts to being a work of “mind-blowing” existentialism.

The panelists agreed that this age of innovation may be attributed to the expansion of social media channels and the abundance of creative influences. Previously, agents and publishers might have primarily reached out to international authors and illustrators at the Bologna Book Fair, but now social media has enabled them to connect more seamlessly from home, expanding the potential for collaboration and move diversity of content and content-creators. The American picture book aesthetic has evolved to become more accepting of darker, more sophisticated stories with additional layers of meaning and narrative threads. Hall noted Death, Duck, and the Tulip by Wolf Erlbruch (Gecko) as a prime example of a darkly themed book that has been published here in translation in recent years, and Russo mentioned The Flat Rabbit (Owlbooks) by Bardur Oskarsson, which she believes shares some tonal and thematic similarities with a predecessor, Margaret Wise Brown’s The Dead Bird. For Hall, darker picture books that address challenging topics such as death not only expand the notion of what is acceptable for kids to be reading, but these books can serve as springboards for adults to converse with their children: “they are an invitation to adults” as well, she said.

    Questo articolo pubblicato sul sito Publishersweekly, che parla esclusivamente dell'editoria per l'infanzia americana, mi invita a pormi delle domande su quello che succede nel settore dell'editoria per l'infanzia in Europa e nel mio paese, l'Italia.

    "The Golden Age" esiste anche nel nostro paese ? O siamo sprofondati in un inquietante abisso pieno di incertezze e di "malessere"? 

    Un paese dove la parola CRISI si è radicata in tutti i settori e soprattutto in tutti i pensieri.

Una pesantezza d'animo che ci nutre quotidianamente, capace di privarci della possibilità di vedere la bellezza del pensiero.

    Se noi adulti e genitori non siamo in grado di insegnare ai nostri bambini l'importanza della magia che regna nei libri, come riusciranno a comprenderla da soli.

   Condivido il pensiero di K. Hall che ci suggerisce di vedere i libri come degli oggetti da custodire e  da proteggere, perché il libro deve essere considerato come un bel oggetto, o un bel messaggio da donare a se stessi e agli altri.

  

Come nell'articolo , mi sono permessa di scegliere alcuni libri per l'infanzia che mi hanno accompagnato durante l'anno nell'educazione, sia estetica che culturale, dei miei figli.

  Il primo libro è "Piccolo Knitt tutto solo." scritto ed illustrato da Tove Jansson, la creatrice dei Moomin.

  Knitt, un piccolo "esserino spaventato", così definito dall'autrice, che abbandona la sua quotidianità colma di paure e di solitudine  per avventurarsi alla ricerca di se stesso. L'amore e l'accettazione di se stesso lo aiuteranno a trovare la forza di  reagire alle sue ansie.

  Il messaggio dell'autrice è immediato e lo si percepisce anche dalle immagini: solo accettando e affrontando le proprie paure si può riscopre la propria forza interiore.

  Il secondo libro è "Edmond, la fète sous la lune." scritto da A. Desbordes ed illustrato da M. Boutavant.

  Edmond è un piccolo scoiattolo che vive in grande castagno. La sua estrema timidezza gli impedisce di socializzare con gli altri animali del bosco. Una sera, qualcuno busserà alla sua porta... e tutto improvvisamente cambierà. Una semplice storia sull'amicizia.

   Il terzo libro è "L'oiseau de feu." di I. Stravinsky ed illustrato da C. Gaustaut edito da Editions Amaterra.

  Un libro dedicato alla cultura del balletto russo,  una perla di eleganza e raffinatezza estetica.

  La sfida di una casa editrice francese nel proporre al pubblico infantile la conoscenza della musica classica tradotta in immagini.

  Il quarto ed ultimo libro è "Le Seolbim, l'habitat du Nouvel An des filles." scritto ed illustrato da B. Hyun edito da Editions Chan.Ok.

  In Corea, le famiglie celebrano" Seollal", il primo giorno dell'anno lunare, con il rituale della vestizione .

   La mattina  di Seollal, una bambina si appresta a prepararsi alla vestizione per il nuovo anno: il "Seolbim",  è il bellissimo costume tradizionale da cerimonia dai colori cangianti.

   La vestizione è lunga e complessa, ma ricca di eleganza e magia.

   Un piccolo libro che permette  conoscere gli usi e le tradizioni di un popolo lontano in un modo semplice e divertente.

  Ci sarebbero altri libri che meriterebbero di essere citati e mi scuso di non menzionarli tutti.

  L' editoria italiana e quella europea si é arresa alle leggi del mercato e alle strategie di marketing  che impacchettano in pensieri in scatole vuote: ma dove sono gli editori capaci di costruire sogni da regalare alle persone?